малевич торговец рыбой на мануфактуре
«Англичанин в Москве» Казимира Малевича
В этом году 15 мая исполняется 85 лет со дня смерти Казимира Малевича, легендарного художника русского авангарда. Его главной работой, конечно, является «Чёрный квадрат», но к нему Малевич пришёл не сразу. Промежуточным этапом творчества авангардиста был алогизм – сверхпредметная живопись, которая впоследствии вдохновит живописца на создание абсолютно беспредметной среды.
Казимир Малевич не собирался подражать классикам изобразительного искусства. Свой протест он выражал в алогизме, соединяя несовместимые друг с другом предметы. «Алогическое сопоставление форм как момент борьбы с логизмом, естественностью, мещанским смыслом и предрассудками», — комментирует Малевич одну из своих картин.
Казимир Малевич, фото 1924 года
Алогизм — стиль живописи, который характерен тем, что намеренно нарушает законы логики. На алогичных картинах Малевича много фигур разных цветов и размеров, зачастую присутствует текст, а иногда на них можно увидеть газетные вырезки.
«Англичанин в Москве» (1914) — одна из самых ярких работ Казимира Малевича в стиле алогизма, которая представляет собой живописную заумь, своего рода головоломку.
Картина «Англичанин в Москве», 1914
На этом полотне абсурда можно увидеть иностранца в цилиндре, который находится в круговороте предметов: большая белая рыба, которая закрывает странному господину половину лица, сабля, свеча в центре картины, лестница, пила, выглядывающая из-за шляпы, православный храм, ножницы, красная линия, рассекающая холст и другие геометрические фигуры. Ещё можно заметить надписи «частичное затмение» и «скаковое общество». Многое из этого напоминает пестрые вывески московских торговых лавок. Это калейдоскоп образов в голове у впечатлительного англичанина.
Но искусствоведы расшифровывают смысл каждого объекта на картине. Например, саблю и красную стрелу можно трактовать как намёк на военные действия — тогда шла Первая мировая война. С этим связано и присутствие на полотне других острых предметов: пилы, ножниц, штыков.
Лестница может быть символом нового этапа авангардной живописи, которая, по мнению Малевича, выведет искусство на более высокую ступень развития. А красная ложка — важный атрибут крестьянского быта, одного из главных источников вдохновения художника.
Вообще красной ложке стоит уделить больше внимания. Она расположена в верхней части картины так, как будто бы кто-то прикрепил её к цилиндру иностранца. Это прямая отсылка к протесту Малевича против мещанского вкуса: 1 марта 1914 года он вместе с художником Алексеем Моргуновым появился в свете на Кузнецом мосту в Санкт-Петербурге с красной деревянной ложкой на пальто. Это важный эпатажный жест, бросающий вызов буржуазному обществу.
Свой протест Малевич выражал и на других алогичных картинах. Например, на полотне «Композиция с Джокондой» художник демонстративно перечёркивает репродукцию «Мона Лизы» Леонардо да Винчи. Тем самым он ставит под сомнение общепринятые представления о красоте и принципах творчества Некоторые современники художника рассказывали, что на одной из выставок Малевич приклеил к губам Джоконды окурок папиросы — и это вызов академическому искусству.
«Композиция с Джокондой (Частичное затмение в Москве)», 1914
Художник того времени уже не зависел от живописных жанров и вообще от окружающего мира. Произошло это не без помощи Казимира Малевича. Через алогизм он закрепил творчество на новом уровне, что в дальнейшем позволило авангарду совершить революцию и переродить искусство.
Сейчас картина Казимира Малевича «Англичанин в Москве» (88х57 см) находится в Городском музее Амстердама в Нидерландах.
Описание картины Казимира Малевича «Англичанин в Москве»
Понять авангардистов бывает порой даже труднее, чем сюрреалистов, и толкований их творчества можно найти великое множество, и никогда не скажешь, кто в нем прав. Что хотел сказать художник? Опирался ли он на библейские тексты? Смеялся ли над чем-то, или же, напротив, был глубоко серьезен, создавая свою картину?
Вопросы без ответов, которые уже некому задать.
«Англичанин в Москве» создан в 1914 году, на пороге всех мыслимых революций и войн, перетряхнувших Россию и вывернувших её наизнанку. Он устремляется вверх по
Не менее важны свет и тьма, борющиеся на картине за главенство. Во тьму погружено лицо англичанина. Чистые лучи света изливаются из-за головы рыбы.
Предметы на картине кажутся подобранными без всякого толка – свеча. Сияющая белая рыба. Сабля. Деревянная ложка – такие ложки футуристы носили в петлицах, выходя на вечерний променад, с намерением
Можно искать в них глубокий символизм, можно посмотреть проще – всё смешалось на картине, как в голове у человека, впервые приехавшего в большой город. Прошел мимо казак с саблей – и вот, образ сабли уже кружится в голове, не желает отступать. Пахнет рыбой, аппетитно, заманчиво из окна магазинчика – и вот, возникает белая рыба. Кто-то на высокой лестнице красит стену или подновляет вывеску – и лестница тоже остается внутри.
Москва наваливается, деревянная ложка в петлице встречного прохожего притягивает взгляд. Запоминается странная вывеска. Идет кругом голова.
Впрочем, может быть и так, что свеча символизирует внутреннее горение, без которого незачем жить.
Related posts:
Описание картины Казимира Малевича «Англичанин в Москве»
Казимир Малевич. Человек, поставивший точку
Рай этот, естественно, супрематический. Это такое трудно умопостигаемое пространство, которое Малевич придумал в утешение всем жителям Земли – что придумал, то и получи. Вот там душа Малевича, освобожденная от всего материального, и болтается сейчас в виде черного квадрата.
Поляк он был, Малевич-то. Киевский. А то некоторые думают, что еврей. Что весь вредный для ума и здоровья авангардизм евреи придумали. А вот он был поляк – поляки тоже немного в авангардизме виноваты – и папа его даже был шляхтич.
Параллельно Малевич продолжал усердно заниматься живописью. А в 1904 году уехал в Москву и стал регулярно, два раза, поступать в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, куда его ни разу не приняли. Поэтому он ходил учиться прекрасному в студию Федора Рерберга, несколько академизирующего реалиста и брата того самого Рерберга, который построил в Москве Киевский вокзал и Центральный телеграф. К нему Малевич ходил несколько лет. В общем, рисовать Малевич умел – это я вдребезги разбиваю аргумент тех, кто говорит, что он написал «Черный квадрат», потому что у него ничего больше не получалось.
Картинки в это время у Малевича были самые разнообразные. Немного импрессионизма,
Весенний сад в цвету
Городок
Последняя работа написана в 1910 году. Тогда же он познакомился с молодой шпаной из «Бубнового валета» и принял участие в его первой выставке. Работы его резко поменялись.
Аргентинская полька
Купальщик
Чуть позже он пишет такие вот кубофутуристические вещи.
Точильщик
Как порядочный аналитический кубист Малевич дробит на составляющие элементы все, что попадает под руку, а как порядочный футурист он передает фазы движения. Повышенная яркость – это уже наше, отечественное.
Перед войной Малевич докатывается до прямо-таки протодадаистических практик.
Англичанин в Москве
Авиатор
Незаметно наступил декабрь 1915 года… В Петроград пришла зима… Завьюжила метель, зазвенели извозчичьи бубенчики на головах у седоков… 19 декабря (по ст. стилю) в Художественном бюро Н. Е. Добычиной открылась «Последняя выставка футуристов 0,10». Пришли туда любители прекрасного – и офонарели. В красном углу, там, где у всех добрых христиан висят иконы, висел страшный, сатанинский черный-«Черный квадрат». Тьфу-тьфу-тьфу, тьфу-тьфу-тьфу… Чисто чернуха. Так состоялось одно из главных событий русского авангарда.
«Последняя выставка футуристов 0,10»
Поскольку об этой адской картине с нейтральным геометрическим названием я уже писал, то добавлю здесь только то, чего там нет или что свежего я о нем узнал. Я же все время познаю новое и духовно расту, а как же.
Придумал его Малевич еще в 1913 году, когда делал декорации к опере «Победа над Солнцем» (музыка Михаила Матюшина, текст Алексея Крученых, пролог Велимира Хлебникова). Там черный квадрат был изображен на занавесе, который в нужный момент не разъезжался, а разрывался. Написал же «Квадрат» Малевич уже в 1915 году, но дату поставил – 1913. И это правильно, по-нашему, по-авангардистски – самое главное, когда придумал, а не когда сделал.
Автопортрет
совершенно закономерно породили у него несколько апокалиптическое ощущение конца всякого традиционно понимаемого искусства, у которого отняли все, как тогда казалось, привычные средства изображения*****. В общем, самое радикальное в то время высказывание на вечную и популярную в ХХ веке тему «Смерть искусства».
Потом-то, в период цветного супрематизма, Малевич дал лишенному всяких надежд человечеству немного вздохнуть – говорю же, добрый он был. Теперь «Квадрат» стал чем-то вроде экрана, занавеса, которым он был изначально, за которым развертывалось грандиозное супрематическое пространство, некий космос, одновременно и воображаемый, и объективный, и мыслимый с большим натягом – плохо он укладывается в голове. Этот трансцендентный космос плохо описывается, плохо осознается, он должен постигаться ощущением, а что это за ощущение, Малевич четко не рассказал. Населен же он чистыми, самодостаточными сущностями, эйдосами, идеями, имеющими строгую геометрическую форму. И ничего телесно-материального, конечно. Это уж как положено.
Супрематизм
Этот супрематический мир столь же сложен и разнообразен, как и тот, который нам известен. И, как в нормальном, обычном космосе, там нет верха, низа, права, лева, силы тяжести и других структурных признаков пространства. Вакуум, практически – эйдосы-то нематериальны.
Супрематизм. Живописные объемы в движении
Можно всю эту историю представить и по-другому – типа, это не построение параллельного мира, а колоссальная попытка освободить этот мир от груза материальности с целью его окончательного и правильного понимания. Но легче нам, любителям прекрасного, от этого не делается. Очень большую работу надо провести над собой, чтобы весь этот конструкт Малевича в себя впитать. Но мы, по крайней мере, можем так, со стороны, оценить сложность, красоту и героическое напряжение его проекта. Прямо-таки экзистенциально-атеистическая сила. И при этом – явно религиозная по своему пафосу. Ну, или квазирелигиозная.
Потом Малевич опять посуровел, и завел для людей белый супрематизм.
Белый квадрат на белом фоне
Супрематизм
Это уже какой-то абсолют, в котором исчезают все сущности, пространство беспредельного чистого света.
Параллельно со всеми этими супрематизмами шла война, потом – революции, т.е. мир упорно настаивал на своей материальности и даже брутальности. Ладно бы Малевич сочинял свои концепции в какой-нибудь маленькой тихой стране. Это, безусловно, повышает уровень его интеллектуального героизма.
Александр Родченко. Три цвета. Желтый. Красный. Синий
В 1927 году Малевич впервые выехал за рубеж в Польшу и Германию, куда привез выставку, не вернувшуюся на родину и попавшую впоследствии в голландский музей Стеделийк, и все для того, чтобы через несколько десятилетий туда пробрался хулиган Александр Бренер и вступил с Малевичем в жесткое соавторство.
Бренер/Малевич. Белый крест на белом фоне/Знак доллара
В общем, материально существующая действительность поджимала со всех сторон. Стареющий мастер вынужден был снова взяться за кисть – со времен белого супрематизма он аскетично молчал.
Два крестьянина на фоне полей
Многие обвиняли Малевича в том, что он предал светлые, черные и цветные идеалы супрематизма и вернулся к фигуративной живописи. Некоторые даже говорили, что он сдался под давлением коммунистов – авангардизм к тому времени, к концу 20-х-началу 30-х гг., выходит из числа фаворитов. К соцреализму дело идет. Зря они так.
Эти крестьяне – никакая не фигуративная живопись, это тот же супрематизм, только с человеческой фигурой. Это супрематические квадратики и прямоугольнички, ставшие чем-то, напоминающим крестьян. Именно поэтому в них нет ничего индивидуального, они безлики, архетипичны и геометризированы.
никакой не компромисс. Это ж не баба, это ж робот, гомункулус, продукт социальной инженерии, идеологическая абстракция, коммуняцкий эйдос, обретающий плоть. Жуть.
В конце концов, супрематизм, по мысли Малевича, не еще один «изм». Это последнее, высшее искусство, supremus, и ему все равно, на каком языке говорить. Малевич ведь и первобытный орнамент считал супрематическим.
А тем временем у нас наступил тот самый соцреализм. Малевич практически перестал участвовать в художественных мероприятиях, отошел от дел – отвели, точнее. Впрочем, в 1935 году его поздние, типа реалистические портреты выставили. Последний раз. Следующий был только через 27 лет.
БОНУС
Лицо крестьянской девушки
Усовершенствованный портрет И. В. Клюна
Композиция с Джокондой (Частичное затмение в Москве)
Во рту у Джоконды еще был окурок, ныне утрачен. Издевательство над шедевром мировой живописи совершено за пять лет до известной «Моны Лизы» Дюшана.
Шел австриец в Радзивилы. Агитационный плакат
Красный квадрат
Черный крест на красном овале
** Аллюзия на фразу Ф. В. Ницше «Бог умер». Тоже очень известная фраза, тоже не привожу.
*** Аллюзия на название текста Малевича «Бог не скинут». Широко не известен, привожу.
**** Знаменитое «Дыр бул щыл убешщур скум дуб вы со бу мола р л эз» Крученых.
***** «Полночь искусства пробила. Супрематизм сжимает всю живопись в черный квадрат на белом холсте».
****** Это был практически рейдерский захват Народного художественного училища, созданного Шагалом. Ничего бизнесового, только искусство – учреждение было отжато в рамках борьбы двух идеологических систем в авангадизме.
Почему 11 знаменитых картин Казимира Малевича так важны для мира искусства
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Краткая биография
За свою жизнь в качестве лица русского авангарда Казимир перепробовал множество стилей живописи: неопримитивизм, символизм, импрессионизм, футуризм, кубизм и это лишь некоторые из них. Тем не менее, ни один из этих стилей по-настоящему не отражал взгляд художника на реальность. Таким образом, он изобрёл своё собственное движение – супрематизм. Он не только применил принципы супрематизма к своей живописи, но и перенёс их в другие области искусства, включая архитектуру, кинематограф и дизайн.
Выросший в украинской сельской местности, Казимир провёл большую часть своего раннего детства в деревнях. В юности он впитал в себя переплетающиеся народные традиции той местности, где православие смешалось с католицизмом и славянскими языками. Таким образом, неудивительно, что фольклор повлиял на путь художника в искусстве.
Когда семья переехала в Курск, он осознал отсутствие у него формального художественного образования. Желая продолжить карьеру в живописи, молодой художник знал, что ему придётся переехать либо в Москву, либо в Санкт-Петербург. Позже Казимир напишет об этом, потому что в Москве были известные художники и возможности. Таким образом, именно туда вёл его путь. Он трижды пытался поступить в Московское училище живописи, скульптуры и архитектуры – всё безрезультатно. Прежде чем стать одним из самых популярных и влиятельных художников двадцатого века, будущий основатель супрематизма считался безнадёжным и бездарным профессорами этого престижного учебного заведения.
Столкнувшись с этим отказом, Казимир медленно превратился в своего собственного уникального мастера, чьи работы были гораздо более разнообразны, чем почти всё, созданное его сверстниками. Следующие произведения искусства демонстрируют изобретательность самого разностороннего художника ХХ века и многогранность его работ. В конце концов, Малевич и его искусство — это гораздо больше, чем сложная геометрия и авангардизм.
Торжество неба
«Триумф небес» — это набросок фрески, в которой сочетаются народные традиции и православный мистицизм. Окружённые золотым сиянием, мирные небесные жители обитают на зелёном лугу, в то время как ряды фигур с конечностями возвышаются над ними только для того, чтобы их накрыло другое всемогущее существо.
Пейзаж с жёлтым домом
Импрессионизм был не просто этапом в жизни художника, а повторяющимся лейтмотивом. Его пейзаж был одной из его первых попыток создать красочную мозаику точек, которая подчёркивала атмосферу сцены, а не точные формы объектов. Позже, во время своей персональной выставки, состоявшейся в 1928 году, знаменитый художник вернулся к импрессионизму. На этот раз он ссылался и переосмысливал картины Дега, Моне и Сезанна, которыми восхищался. Не случайно Казимир отсчитал начало своего личного художественного пути от первых эскизов импрессионистов, которые он написал в Курске.
Женщина на трамвайной остановке
Кубофутуризм занимал особое место на творческом пути Казимира. Увлекаясь авангардными стилями, художник также обратил внимание на простую геометрию. То, что началось с геометрических изображений крестьян, закончилось полной деконструкцией форм, которые можно увидеть у «Женщины на трамвайной остановке» (Дама на остановке трамвая). Картина была создана, когда молодой художник едва мог позволить себе полотна. Хотя он был беден и едва выживал, Казимир всё ещё активно продвигал зарождающийся русский авангард.
«Женщина на трамвайной остановке» была одной из пятнадцати картин, которые он подготовил для первой выставки русских футуристов. Картинка представляет собой головоломку, которая сочетает в себе, казалось бы, несовместимые объекты. Лестницы, архитектурные виньетки, календарь – всё появляется на холсте, где эти фрагменты жизни не рассказывают связной истории, а скорее предполагают, что зритель должен её придумать. На самом деле на картине нет силуэта женщины. Вместо этого несколько искривлённых фигур напоминают одну из трамвайных остановок, календарь указывает на течение времени, и, возможно, части дороги ведут в неизвестном направлении.
Англичанин в Москве
Одна из самых загадочных работ художника, наряду с «Женщиной на трамвайной остановке», «Англичанин в Москве» объединяет абстрактную геометрию, яркие цвета и нотки реализма. Зелёнолицый мужчина изображён на фоне рыбы, ложки, православной церкви и каллиграфических знаков на кириллице. Одна из них гласит «Конное общество», в то время как другая комбинация букв образует загадочные слова «Затмение» и «Частичное». Оживлённая сцена оставляет зрителям ещё одну загадку для решения, намекая на связь между, казалось бы, случайными объектами. Футуристическая по своей природе картина также является шуткой, которая отрывается от традиций. В конце концов, некоторым зрителям это может показаться странным и даже отвратительным, но никак не скучным, а тем более предсказуемым и знакомым.
Супрематизм № 56
Он заложил основы супрематизма в 1915 году, когда опубликовал свой манифест под названием «От кубизма к супрематизму». В своём творчестве художник провозгласил создание пути, который приведёт к новому реализму. Новый реализм, предусмотренный Казимиром, означал беспредметное изображение реальности, свободное от всех ограничений. Прежде всего, супрематизм подчёркивал цвет и форму. Малевич был твёрдо убеждён, что мастер не должен копировать природу, а скорее создавать свои собственные новые миры. Одним из таких миров был его «Супремус 56» (Супрематизм № 56).
Картина является одной из типичных супрематических картин, созданных им. Как таковая, она скрывает несколько секретов. Во-первых, она был набросана карандашом от руки, оставив частично видимыми нижние рисунки. Во-вторых, чёткие края были достигнуты благодаря тому, что художник уверенно направлял свою кисть, ориентируясь на створку шкафа, тем самым создавая как бы окно в уникальный мир, запечатлённый на века.
Чёрный квадрат
Среди всех картин Казимира есть одна, о которой слышали почти все. Она появляется в многочисленных репродукциях. Пресловутый «Чёрный квадрат» — это уже не картина, а социальное явление.
История «Чёрного квадрата» начинается с нетерпения художника. Казимир рисовал на поверхности своего мокрого холста, не дожидаясь, пока он высохнет. В результате в кромешной тьме из-за спешки появились так называемые кракелюры, трещины краски. Художник был известен своей небрежностью, которая позже превратила многие его супрематические картины в потрескавшиеся произведения искусства. «Чёрный квадрат», помещённый против солнца, впервые появился в сценических рисунках 1913 года для футуристической оперы «Победа над солнцем». Затем последовали два других чёрных квадрата, каждый из которых символически заканчивал реалистическое искусство.
В каком-то смысле все «Чёрные квадраты» художника должны были возвестить о новом начале и положить конец предыдущим векам художественного самовыражения. Преодолев пропасть между футуризмом и конструктивизмом, «Чёрный квадрат» стал нулевой точкой живописи, отражением всего революционного и нового. Это был предвестник политического порядка, установившегося после 1917 года, и заявление художника, который дожил до падения Российской империи и расцвета Советского Союза.
Белым на белом
Сколько оттенков белого может различить глаз? Это был один из вопросов, на которые Казимир попытался ответить своим «Белым на белом» – ещё одной супрематической картиной, которую многие сегодня ассоциируют с художником. Созданное в год после Октябрьской революции 1917 года, это произведение искусства является провокационным и новаторским. Монохромный квадрат появляется на белом холсте, передавая ощущение цвета, глубины и объёма. Критик-конструктивист, который видел картину во время выставки, якобы заявил, что это «абсолютно чистое белое полотно с очень хорошим грунтовочным покрытием и не более того».
Спортсмены
В 1930 году Казимир был арестован и провёл три месяца в тюрьме по сфабрикованным обвинениям в антисоветской пропаганде. Новый режим медленно отворачивался от его безудержного искусства, ставя под угрозу свободу художника. После освобождения он вернулся к живописи крестьян и рабочих, назвав свои новые начинания попыткой выразить супрематизм в виде человеческих фигур. Простота и народное искусство, которые вдохновляли художника на протяжении всей его жизни, нашли выход в его примитивистском изображении тех, кто его окружал. Таким образом, его «Спортсмены» стали одной из его самых знаковых супрематических картин.
В то время как супрематизм означал освобождение художника и его фигур, вырвавшихся из ограничений, спортсмены продемонстрировали триумф творчества и неподчинения в полной мере. Картина показывает только энергию и динамику и игнорирует пространство, время, реальность и несколько других правил. Казимир писал, что его последние супрематические картины были рождены отчаянием. Среди них протест «Спортсменов» так же ощутим, как и отчуждение «Крестьян».
Крестьяне
Эта работа была одним из последних исследований супрематизма Казимиром. После ареста и зная об ужесточении цензуры, он начал сочетать в своих произведениях супрематизм и неоклассицизм, сохраняя при этом своё увлечение народной культурой.
Работница
В 1933 году он написал неоклассический портрет «Работницы». Эта пьеса до сих пор сбивает с толку критиков, которые не могут решить, что означает положение женских рук. С одной точки зрения, работница держит руки так, что это наводит на мысль о знакомом положении рук Мадонны. В то время как младенец Иисус отсутствует, выражение лица женщины ошеломленное, её щёки раскраснелись, а лицо побледнело. Работница ярко одета, у неё мозолистые пальцы, а её жесты и поза напоминают знакомую христианскую иконографию.
Приспосабливаясь к новым обстоятельствам, Казимир больше не обращался к религиозным темам, которые увлекали его в юности. Вместо этого он выбрал слияние традиций и идей, создавая портреты, отражающие новый стиль социалистического реализма, а также разрывы, возникшие в результате изменений в политике и искусстве. В углу картины всё ещё можно различить подпись художника – чёрный квадрат, та самая пресловутая форма, которая стала тёзкой Малевича и принесла ему всемирную известность.
Автопортрет
В тридцатые годы Казимир заново открыл для себя искусство эпохи Возрождения, наполнив его наследием византийской иконописи и своей собственной супрематической традицией. В одной из своих последних работ он изображает себя гордым венецианским дожем, смотрящим вдаль. Неореалистичный портрет представляет художника как патриарха, который остаётся верным своему супрематическому прошлому, оставляя маленький чёрный квадрат в углу в качестве своей подписи. Старомодный халат идёт вразрез с авангардным чёрным квадратом и характером новых советских вкусов, которые доминировали на культурной сцене России.
Через два года после того, как он закончил свой автопортрет в стиле Ренессанса, Казимир написал ещё один, напоминающий более поздние картины Веласкеса. В том же году Казимир умер в Ленинграде, оставив после себя одно из самых разнообразных наследий, которые когда-либо мог создать любой художник. Обилие стилей, к которым он обращался, и изобретательность его техники доказывают уникальную многогранность его искусства, отражающего многогранную индивидуальность и вездесущее увлечение восточноевропейским фольклором, а также наследие, которое окружало его при жизни.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми: