пабло пикассо блюдо с фруктами
СОДЕРЖАНИЕ
Вдохновение и процесс
Брак мог быть привлечен к этой статье, потому что он обучался технике, называемой trompe-l’œil ; что позволило ему создать живописные эффекты, напоминающие отделку под дерево и мрамор, но выполненные с помощью краски и специальной широкой гребенки. Брак тогда, возможно, нашел забавным включить бумагу с рисунком под дерево в его произведение. Возможно, он также хотел использовать бумагу для создания визуальной каламбуры о природе репрезентации. Он заметил, что, поскольку бумага выглядит реалистично, но при этом плоская и наклеена, она нарушает пространственные отношения. Он может действовать как передний план, задний план или и то, и другое.
Изделие основано на взаимодействии обоев, приклеенных к опоре, и угольных линий, которые вызывают как предметы, так и слова. Предметом является стеклянная чаша, груши и виноград между тем, что выглядит как блюдо и бокал для вина, или, возможно, подсвечник. Брак, вероятно, начал работу с того, что вырезал куски обоев и перемещал их по плоской поверхности, чтобы представить свою композицию. Затем он мог бы расположить две полосы обоев под дерево вертикально на большом листе белой бумаги, чтобы обозначить стены кафе. Он также поместил небольшой горизонтальный кусок обоев внизу бумаги, чтобы изобразить столешницу. Затем он нарисовал углем стекло, груши, виноград и слова «ALE» и «BAR», добавил черными чернилами линии на обоях и круглую ручку на горизонтальном куске обоев внизу, чтобы он выглядел как ящик стола. В работе присутствует множество фактур, которые вносят путаницу в пространственные отношения предметов в композиции. Например, в дополнение к дубовым обоям Брак использовал гребешок, чтобы добавить дополнительный элемент тромп-л’ил, чтобы придать изделию еще большее искажение восприятия. Брак также добавляет текстуру, применяя смесь песка и gessoto в качестве фона. Эта текстура выдвигает фон вперед, затрудняя интерпретацию перспективы. Процесс Брака умышленно вводил в заблуждение. Его техника полна тонкостей, которые поначалу не замечаешь. Как физические, так и логические отношения между объектами часто трудно построить. Картина представляет собой визуальную головоломку, которая заставляет зрителя понять, что показано, по подсказкам и фрагментам.
Коллажу обычно приписывают изменение облика кубизма с аналитического на синтетический, в котором несколько систем представления использовались на одном полотне.
Научные интерпретации
Право собственности
Qu Mark
Кубизм. Часть восьмая: Сезанновский кубизм
В процессе Пабло и Жорж разоблачают классические приемы, по их мнению раньше художники лишь создавали “видимость”, фиксировали пропущенное через человеческий глаз (и мозг) изображение. В отличие от жалких рабов человеческого тела, наши герои пытаются познать действительную, объективную форму объектов, и их действительное же расположение в пространстве.
Так сформулировал Пикассо свой подход Канвайлеру.
В качестве «моделей» для своих первых кубистических картин Брак и Пикассо выбирают цилиндрические деревья и дома-параллелепипеды в пейзажах, круглые фрукты и симметричные вазы в натюрмортах.
Жорж Брак – Тарелка и блюдо с фруктами (1908)
Пабло Пикассо – Блюдо с фруктами (конец 1908 – начало 1909)
Цветовая гамма картин сезанновского кубизма сильно ограничена: художники используют мягкие, приглушенные оттенки коричнево-охрового цвета, черный цвет активно используется для обозначения границ объектов.
Жорж Брак – Музыкальные инструменты (1908)
10 самых известных картин, на которых изображена еда
Селедка, банка с супом, синяя женщина: известные художники любили не только есть, но и рисовать еду. Рассказываем о 10 самых известных картинах, которые могут вызвать аппетит или наоборот.
Энди Уорхол. «Банка с супом «Кэмпбелл», 1962 г.
Кстати, супы «Кэмпбелл» Уорхолл действительно очень любил и ел их прямо из банки.
2. Зинаида Серебрякова. «За завтраком», 1914 г.
Многие удивляются, почему на картине подают обед, ведь, судя по названию, речь идет о завтраке. Оказывается, в доме Серебряковых был принят европейский режим питания — утром подавали маленький завтрак, а в полдень — более плотный.
3. Кузьма Петров-Водкин. «Селедка», 1918 г.
Натюрморты Петрова-Водкина – документальная летопись эпохи. Их уникальность заключается в минимальном наборе предметов на столе, в игре с зеркальными поверхностями и ярких красках. На картине «Селедка» изображен скромный обед 1918 года — две картофелины, кусок хлеба и селедка на столе. Искусствоведы полагают, что красная скатерть символизирует «революционные будни».
В натюрмортах художник часто использовал зеркальные предметы – стаканы, самовар, чайник или просто зеркала. Его работы светлые и радостные, в них видно непосредственное восприятие мира и натуры художником. Среди известных работ с изображением еды также «Розовый натюрморт. Ветка яблони», «Натюрморт со стаканом, фруктом и фотографией», «За самоваром», «Фрукты».
4. Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем», 1918 г.
С самого детства Борис был знаком с бытом купцов: его семья арендовала флигель в купеческом доме в Астрахани. С приходом большевиков закончились и годы счастливой юности, а дородные купчихи теперь жили только в памяти художника: «Живем мы здесь неважно, холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе… Я сижу дома и, конечно, работаю и работаю, вот и все наши новости».
«Купчиху за чаем» Кустодиев написал уже в 40-летнем возрасте. Изображенная на картине дама — его соседка по дому в Астрахани Галина Владимировна Адеркас, которая была настоящей баронессой из древнего рода.
5. Павел Федотов. «Завтрак аристократа», 1849-1850 гг.
Федотов называл свой жанр живописи «нравственно-критическими сценами из современной жизни». В его работах были важны детали, ведь они раскрывали истинный смысл сюжета. Если хорошо присмотреться, то именно предметы на картине «Завтрак аристократа» раскрывают характер и образ жизни персонажа. Аристократ пускает пыль в глаза: он окружен модными и дорогими вещами, но завтрак его очень скудный. Он впопыхах пытается прикрыть кусок черного хлеба книгой. Кстати, сам художник назвал свою картину «Не в пору гость». А уже после его смерти появилось нынешнее название.
6. Казимир Малевич. «Натюрморт», 1911 г.
Известный русский импрессионист до написания картины «Черный квадрат» долго искал себя и свой стиль. Он считал, что нужно нести искусство в жизнь, а не наоборот, и тогда жизнь станет поистине прекрасной. В исканиях он обращался к импрессионизму и кубизму: он любил яркие цвета, сильные и резкие эмоции. «Натюрморт» – как раз работа периода исканий. Художник выполнил его в технике «клуазоне»: французский стиль росписи, в котором большие пятна цвета замыкаются черными жирными линиями.
7. Илья Машков. «Натюрморт. Фрукты на блюде», 1910 г.
Художника называют «королем натюрмортов», а искусствоведы считают его родоначальником русской колористической традиции. Действительно, любимым жанром Машкова был натюрморт: на холстах можно встретить яркие тыквы, сочные лимоны, апельсины, нежные персики, сочный разрезанный ананас и многое другое.
«Натюрморт. Фрукты на блюде» стал началом его работы в этом жанре. Кстати, в свое время художники Анри Матисс и Валентин Серов рекомендовали эту картину меценату Морозову. Для Машкова это было настоящее признание.
8. Пабло Пикассо. «Любительница абсента», 1901 г.
Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.
9. Клод Моне. «Завтрак на траве», 1866 г.
Картина создана под впечатлением от скандального полотна Эдуарда Мане с одноименным названием. Общего у картин мало, кроме лесного пейзажа.
Для написания леса Клод выезжал на пленэр, а будущих героев рисовал сначала в мастерской, затем еще и на природе в виде этюдов. И только после этого в мастерской художник объединил все в одно целое. В первую очередь, картина завораживает своим солнечным светом, который проникает сквозь зеленое кружево листвы.
Художник расплатился «Завтраком на траве» за квартиру. Новый хозяин потерял часть картины и только спустя шесть лет Моне смог выкупить свою работу, восстановив утерянные фрагменты и переписав какие-то заново.
10. Поль Сезанн. «Натюрморт с бутылкой мятного ликера», 1895 г.
В своих натюрмортах Сезанн часто использовал яблоки, груши, луковицы, бутылки с вином, глиняные кувшины, чашки, корзины, разноцветные драпировки в холодных тонах. А еще французский живописец очень любил рисовать разные бутылки, и его предметы постоянно переходили из одной картины в другую.
30_day_photo
30_day_photo30 Дней Фотоприключений
Здесь мы учимся, придумываем, фотографируем
Но мы сегодня не будем разбираться в теории авангардистского искусства.
Интересуют нас сегодня лишь натюрморты, но не обычные классические, а выполненные художниками-авангардистами. Эта подборка работ предназначена специально для темы дня «Натюрморт в стиле импрессионистов». Я намеренно не поместила в подборку ни одной фотографии по теме, так как хочется получить результатом не копирования фотографических приемов, а передачу стиля и настроения художественных работ.
Чем отличаются работы авангардистского направления? При всем разнообразии этих течений, при их большом количестве, основными чертами являются:
отказ от норм классического изображения;
упрощенный рисунок;
плоскостное изображение;
некая деформация форм;
цветовая экспрессия;
Анри Матисс «Красные рыбки»
Первым художественным течением, начавшим отходить от принципов реализма, был фовизм. Фовистами (дикими) называли художников, которые выступили в 1905 году против классических живописных методов, а также против приемов импрессионистов. Фовисты утверждали право художника на субъективное видение мира. ( Так что нечего удивляться, когда сегодня фотограф говорит «Я так вижу». Может он станет основоположником нового направления)
Свой протест художники стали выражать, используя примитивные формы, отказываясь от линейной перспективы, применяя пластическую деформацию и цветовую экспрессию.
Одним из ярких представителей этого направления стал Анри Матисс. Матисс определял свои принципы в создании художественного произведения следующим образом:
преобладание цвета над формой;
стилизация предметов;
плоскостность изображения.
Он считал, что необходимо добиваться у зрителя «эмоций за счет простых средств».
В своей картине «Красные рыбки» Матисс создал эффект кружения рыбок за счет применения эллипсообразной и обратной перспектив, за счет использования контраста зеленого и красного.
Основателем «кубизма» был художник П.Пикассо. Название этому направлению дали за внешнее сходство живописи кубистов с простыми геометрическими телами – шаром, конусом, призмой, кубом. Девочка на шаре. Это направление сформировалось во Франции осенью 1908 года в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака.
Жорж Брак. Скрипка и подсвечник. 1910 год
Жорж Брак: Маргаритки на коробке
Жорж Брак Anemones,1924
Жорж Брак Натюрморт с салфеткой
Жорж Брак Голубой кувшинчик
В Испании представителем и одним из основателей кубизма стал Хуан Грис (1887-1927), у которого любимым жанром был как раз натюрморт.
Хуан Грис: Бутылка, 1914
Хуан Грис: Открытое окно, 1921
Хуан Грис: Блюдо с фруктами и графин
Хуан Грис: Скрипка и бутылка с чернилами на столе, 1913
Хуан Грис: Бокал для воды, бутылка и блюдо для фруктов, 1915
Хуан Грис: Окно художника, 1925
Хуан Грис: Натюрморт с масляной лампой, 1911-12
Хуан Грис: Бутылка и стакан на столе, 1913-14
Хуан Грис: Натюрморт с цветами, 1912
В России художники пошли дальше, Казимир Малевич выпустил даже манифест «От кубизма к супрематизму». Но мы опять не будем углубляться в теорию. Нас интересуют натюрморты, вот и поглядим, каковы они у русских авангардистов.
Александр Родченко «Необъективная композиция»
Александр Родченко «Беспредметная композиция»
Александр Родченко «Композиция (Побеждающее Красное)»
Ольга Розанова «Беспредметная композиция. Супрематизм»
Ольга Розанова «Рабочая шкатулка» 1915 г.
Ольга Розанова «Буфет с посудой» 1915 г.
Казимир Малевич «Музыкальный инструмент» 1913 г.
Казимир Малевич «Самовар 2» 1913 г.
Казимир Малевич «Туалетная шкатулка»
Надеюсь, что подборка работ художников, классиков авангардных направлений, поможет вам в реализации темы дня.
Кубизм в живописи – самые известные картины
Что такое кубизм? Когда стало зарождаться это направление в живописи? Какие самые известные картины, и кто такие художники-кубисты? На все эти и другие вопросы про одно из самых неоднозначных направлений в живописи ХХ века читайте в моей новой статье!
Что такое кубизм: особенности и характерные черты
Наверняка вы хотя бы раз, но видели такие, странные картины, по сравнению с классической живописью, где все предметы изображены геометрическими фигурами, подчас в самой разнообразной форме.
Но странными они могут показаться только на первый, не искушенный искусством, взгляд. Действительно, картины в стиле кубизм, для простого, обывательского взгляда кажутся каким-то набором форм и цвета, не имеющих никакой связи и смысла.
Так что же такое кубизм? Как его понимать, и где та тонкая грань, разделяющая простую «мазню» от подлинного искусства? Ниже я буду приводить много примеров картин известных художников в жанре кубизм с названиями работ, чтобы показать вам все многообразие этого направления.
Само слово «cubisme» появилось во Франции, столице искусства, примерно в 1908 году. Но изначально, конечно же, само слово было образовано в Древней Греции и обозначало какое-либо кубическое тело.
Кубизм представляет собой абстрактное, модернистское направление в живописи европейских художников, которое зародилось и активно существовало в первые несколько десятилетий ХХ века.
Основа этого направления, как вы уже могли понять из названия, заключается в том, что художник намеренно изображает объекты своей живописи не как обычно, реалистически и трехмерно, а делает это с помощью геометрических фигур.
Таким образом, разделяя общее произведение на части, словно писатель свою книгу на главы, художник разнообразными геометрическими формами пишет картину, состоящую из разных единых «кусков».
Одной особенностью этого направления, в самом начале была очень скудная цветовая палитра. Художники старались использовать всего несколько цветов: коричневы, серый и черный. Это нужно было в первую очередь для того, чтобы не отвлекать внимание зрителя от форм и дать им возможность как можно глубже погрузиться в сюжет, в историю картины.
Одним из самых ярких представителей кубизма был испанский художник и скульптор, Пабло Пикассо. Во многих его работах вы можете встретить буйство красок и форм, что в общем-то не мешало ему быть очень значимым кубистом своего времени. Но об этом я расскажу ниже, в отдельном блоке про художника.
А пока давайте посмотрим, как вообще зародился кубизм, почему именно такие формы и какова вообще история этого направления в живописи.
История кубизма
Отцом-основателем этого, как некоторые думают, странного и непонятного направления, был Поль Сезанн. Этот французский художник-постимпрессионист повлиял на создание кубизма своими идеями, а также, несомненным влиянием на молодого Пабло Пикассо.
Поль Сезанн специально искажал перспективу в своих произведениях, чтобы передать предмет максимально разнообразно и многогранно. Иногда, он доходил в своих работах до того, что намеренно делал объекты проще по своей геометрической форме, что тоже, несомненно, было прямой отсылкой к зарождающемуся кубизму.
Шестидесятидевятилетний француз Поль Сезанн, состоял в переписке с двадцатисемилетним испанцем, Пабло Пикассо. В одном из таких писем, французский художник советует Пикассо «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров». Многие историки искусства и живописи считают, что именно это и послужило впоследствии возникновению кубизма.
Конечно, кубизм такой, каким мы его знаем, возник благодаря самому Пабло Пикассо и другому французскому художнику, Жоржу Браку. А сам термин «кубизм», появился, благодаря Анри Матиссу, автору знаменитого «Танца». Он увидел картину Жоржа Брака «Дома в Эстаке», не удержался, и воскликнул: «Что за кубики!».
Виды кубизма
В живописи принято выделять три основных периода кубизма, которые по-разному отражали саму суть этого направления, имели разные концепции и представителей. Остановимся на каждом виде отдельно и разберем основные характерные особенности.
Первый вид, или период, как вы могли догадаться, назван в честь основоположника кубизма, Поля Сезанна и называется, соответственно, «сезанновский». Этот ранний период датируется 1907-1909 годами и во многом на его развитие повлияли работы самого Поля Сезанна.
Характерно то, что в этот период, художники начинали отходить от привычного изображения объекта, и начинали передавать его с помощью геометрических форм. Но это были большие и массивные части геометрических фигур, созданные с помощью жирных линий – прямых и ломанных.
Также, особое внимание кубисты «сезанновского» периода уделяли цветовой палитре произведения. Так как объект, изображаемый на холсте, был поделен на геометрические фигуры, то и цвет нужно было распределять на картине, согласно этим геометрическим правилам. Так, передний план картины состоял преимущественно из красок теплых оттенков, а на заднем фоне наоборот, художники использовали более холодные тона.
Второй вид кубизма приходится на 1909-1912 года и называется «аналитический». Само название этого вида отсылает нас к какой-то аналитике, к тому, чтобы разобрать произведение на части и понять его суть.
В общем-то, так и есть – за те четыре года, что длится этот период, художники постарались стереть все границы, между пространством картины и формой изображаемых предметов.
Что касается формы, то она стала еще меньше, по сравнению с «сезанновским» периодом, который отличался объемными и грубыми геометрическими фигурами, но которые был поделен объект. Теперь же художники, как бы разбирают на мелкие детали объект, стараясь понять его структуру и самые основные, неизменные элементы.
В этот период художники-кубисты концентрируют свое внимание на натюрмортах и портретах, редко пишут пейзажи. В какой-то мере, это деление на более мелкие частицы помогает художникам заново переосмыслить кубизм в искусстве. Но из-за их особого видения, а также деления на мелкие геометрические формы, простому зрителю нередко становится непонятно, что же изображено на картине и, главное, зачем художник изобразил это именно так?!
Как вы можете заметить, на картинах этого периода, цвет играет не особо значительную роль, формы становятся все более неясными и нечеткими. Не удивительно, что у многих, именно «аналитический» период характеризуется вообще со всем направлением.
Завершающий, третий вид кубизма – это «синтетический» кубизм. Этот период отличается таким приемом как коллаж. Основные годы, когда можно проследить этот вид – 1913-1914-е.
Художники создавали свои картины, как сейчас бы сказали, из того, «что под руку попадется». Так, например, можно было увидеть картины, сделанные из кусочков обоев, газет, листовок, наклеек и прочего, казалось бы, мусора. Иногда, художники не вклеивали это в свои работы, а просто рисовали на хосте так, как это могло бы быть в реальности, только, конечно же, в плоском виде. В этот период художники позволяли своим зрителям воплощать образ с картины сами в своем воображении.
«Синтетический» период, это уже довольно развитый кубизм. Сами картины уже становятся более выразительными, самодостаточными. И опять, любимый жанр кубистов этого времени – натюрморт.
Цвет по-прежнему не играет огромной роли в произведениях, но сохраняет свое место на самой картине. Как и раньше, на передний план выходят предметы светлых оттенков, на заднем фоне – темных оттенков.
Известные кубисты, Жорж Брак и Пабло Пикассо, одни из самых ярких представителей этих периодов, какое-то время работали вместе, но потом Брак стал сторонником фовизма, а Пикассо уходит в период классицизма и сотрудничает с Дягилевым, работая над его «Русскими сезонами».
Известные картины и представители кубизма
Выше я уже приводила вам примеры работ наиболее ярких представителей кубизма в живописи — Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Теперь хочется остановиться подробнее на их творчестве и творчестве и работах других художников-кубистов.
Картины Пабло Пикассо в стиле кубизм
В основе любой, даже самой сложной формы, всегда лежит простая, геометрическая – шар, куб, конус. И Пабло Пикассо прекрасно эти начинает овладевать, поддавшись «сезанновскому» направлению в кубизме.Самый известный художник-кубист в 1907-1909 годах, испытывая влияние древнего искусства Африки, он пишет следующие картины:
Следующий период после «сезанновского», или «африканского», как его называли из-за увлечения Пикассо искусством стран Африки, является «аналитический» кубизм.
Это очень короткий период в его творчестве, всего два года, но зато каких плодотворных и важных для всей истории кубизма!
В это время, в 1909-1912-е года, Пикассо считал, что цвет делает произведение более слабым, обманывает зрение. Он считал, что нужно ослабить окраску всего мира, писать более монохромно, а все внимание сосредоточить на форме, чтобы суметь показать все сущее в своих работах.
Предмет и фон должны практически слиться воедино, от прорисовки мелких деталей и деталей в принципе нужно отказаться, а перспектива вообще должна исчезнуть – вот основные положения кубизма Пикассо в «аналитическом» периоде.
В результате всего этого, мы видим на картине нечто однородное, как по цвету, так и по форме, без каких-либо границ в пространстве. Посмотрите сами на некоторые картины этого периода в творчестве Пикассо:
Именно в этот «аналитический» период Пикассо начинает общаться с Жоржем Браком – своим соратником и союзником. При встречах, постоянном общении, обмене мнениями насчет того или иного произведения, этот союз вскоре сформировал основные и характерные черты кубизма.
Со временем Пикассо снова вернется к цвету и декоративным формам, именно так начнется его третий период в кубизме – «синтетический». Весной 1912 года Пикассо представляет свою новую картину «Воспоминание о Гавре». Эта картина новая во всех смыслах, ведь тут впервые, за 2 года появляется цвет в работе художника.
Теперь картины Пикассо становятся более живыми и понятными, появляются дополнительные детали, снова свои границы приобретает форма. Однажды, декор у Пабло дойдет до такой степени, что он вклеит почтовую марку в свою картину.
Сочетая несочетаемое, Пикассо все больше начинает работать с фактурой и разными материалами – бумагой, деревом, воском, углем, и даже с ложками. Таким образом, художник синтезирует вымышленную реальность в реальность настоящую.
Таковы были картины Пабло Пикассо в период кубизма.
Картины Жоржа Брака в стиле кубизм
Сначала Жорж Брак был декоратором, но потом пошел учиться дальше и стал изучать искусство, в том числе и на примерах работ Сезанна и Коро.
В 1907 году Брак посещает выставку Поля Сезанна и знакомится с Пабло Пикассо. Эти два события станут решающими в жизни Брака-кубиста.
Подружившись с Пикассо, Жорж Брак старался писать картины по наитию, так, как еще никто не писал. Одно время стили Брака и Пикассо стали настолько похожими, что его работы не могли отличить от работ Пикассо.
Безусловно, визуально картины этих двух художников были похожи, но художники сосредотачивали внимание на разном и цели у них были разные. Брак любил работать с разными материалами, текстурами, играть со светом и пространством на картине. Он хотел, чтобы его работы были гармоничными, в отличие от бунтарских работ Пикассо.
Через несколько лет после Первой мировой войны, его творчество заметно меняется, как и творчество Пикассо. Но, картины, написанные Жоржем Браком в период кубизма, останутся в истории навсегда.
Портреты в стиле кубизм
Портрет в стиле кубизм, как вы понимаете, это не портрет в привычном понимании этого слова. Как и другие работы кубистов, портрет состоит из нескольких геометрических фигур. И только зритель должен собрать их в единое произведение в своем воображении, чтобы увидеть сам портрет.
Если же вы хотите научиться писать обычные портреты, дарить их близким или делать на заказ — могу вас обрадовать! Как начать свой путь в портретной живописи я рассказываю на своем БЕСПЛАТНОМ мастер-классе по портретной живописи! Мы разберем как правильно и с учетом всех пропорций построить лицо человека. А всем посетителям я ДАРЮ урок “Реалистичный глаз”
Натюрморт в стиле кубизм
Натюрморт в стиле кубизм – один из самых популярных жанров этого направления в искусстве. К нему обращались все художники, работавшие в стиле кубизм в период с 1907 по 1914 года.
Кубизм в России
В России не было «чистого» кубизма, как например, в Париже или других европейских городах. В России в начале ХХ века кубизм представлял собой авангардистский симбиоз, состоящий из французского кубизма и итальянского футуризма.
Русские художники, преимущественно, писали только в «сезанновском» периоде, не трансформируя свое творчество дальше – в «аналитический» и «синтетический» кубизм. Так, создалась небольшая творческая группа художников-авангардистов, которая привнесла в русский кубизм ноты самобытности и оригинальности.
Как рисовать в стиле кубизм и нужно ли это?
Теперь, когда вы знаете, что такое кубизм, его историю и основных, наиболее ярких представителей этого направления, у вас может возникнуть вопрос: а как рисовать в стиле кубизм? Что для этого нужно?
Прежде всего, как и в любом другом виде живописи, важно подготовить свое рабочее место и все необходимые материалы: хорошо освещенное помещение, краски, холст и прочие принадлежности. Помните, что в «синтетический» период художники использовали самые разнообразные материалы, так что вы тоже можете проявить фантазию и попробовать что-то экспериментально новое.
Теперь, когда все готово, решите, что вы будете рисовать/писать. Вы можете выбрать для своей первой картины в стиле кубизм чей-то портрет, а можете, например, составить натюрморт из подручных средств.
Сделайте набросок и разделите его прямыми линиями с помощью линейки. Можете сразу раздробить объект на геометрические фигуры – шар, конус, цилиндр.
Поработайте над палитрой. Если монохром для вас слишком скучно, то выберете несколько основных цветов, лучше не больше 3-4, чтобы сохранить геометрию произведения. Кстати, если вам нравится какой-то один цвет, то вы можете сделать монохромную палитру из разных его оттенков.
Старайтесь избегать растушевки и смешения красок – линии границ предметов всегда должны оставаться четкими.
Для первого опыта можно взять акриловые краски. Из-за быстрого высыхания акрила, вы сможете накладывать один цвет на другой, чтобы придать картине дополнительный объем.
А вот на вопрос, нужно ли писать в стиле кубизм, у меня нет для вас однозначного ответа. Ведь если нравится такой жанр, то зачем себя останавливать и запрещать. С другой стороны, если вы хотите стать профессиональным художником, вы можете начать писать в стиле кубизм, изменяя и трансформируя его. И тогда, возможно, у вас получится заново переосмыслить этот вид искусства, как это сделали его отцы-основатели.
Хотите узнавать больше о мировой художественной культуре и своих любимых художниках?
В своем блоге ВКонтакте я веду постоянную рубрику #о_художниках_по_средам. Каждую среду недели я выкладываю пост, в котором рассказываю об отдельной теме: о жанрах живописи, о художниках, о развитии искусства.