Что такое хореографическое искусство
Что такое хореография?
В первую очередь, это искусство, которое позволяет приобрести уверенность в себе. Его отличие от других направлений заключается в том, что человек, достаточно овладев ним, способен без речи в виде созданного образа при помощи танца показать все чувства и переживания зрителю. Сейчас существует три направления, которые характеризуют хореографию. Речь идет о народном, современном и классическом. Первый и последний типы можно назвать основными. У них есть большой запас движений, а также с ними ознакомлены многие. Третий вариант объединяет в себе довольно большое количество жанров, которые появились после того, как людям наскучил классический балет. Говоря о том, что такое хореография, необходимо сказать, что это тот тип искусства, которым следует обязательно заниматься любому человеку. Благодаря такому увлечению можно выработать в себе чувство ритма, растяжку, уверенность себе, развить свой художественный вкус.
История хореографии
В первое время, когда только это слово появилось, хореографией называлась запись нового танца. После того как произошли некоторые изменения, так стали называть уже саму систему придумывания танца.
Значение слова «хореография» довольно простое. Первая половина означает «танец», а вторая «записывать». В начале XX века данное слово стало представлять все танцы и данное искусство в целом. На данный момент данный термин является основным в этой сфере искусства. Происхождение слова «хореография» – греческое. Любой человек знает, что во многих обществах довольно популярны танцы, и их умение исполнять считается классической основой. Еще во времена Древней Руси любой праздник не обходился без танцев.
Нагрузка на мышцы
Следует заметить, что мышцы при занятиях напрягаются, соответственно, при помощи танца можно не только развить гибкость, но еще его можно использовать вместо зарядки. Благодаря такому виду искусства можно научиться грациозно ходить, держать спину ровно, движения также положительно сказываются на походке и фигуре. Помимо этого, танцы доставляют человеку моральное удовольствие. Соответственно, психическая сфера также испытает положительное влияние. Благодаря танцу после нагрузок на психологическом уровне, а также физическом можно получить максимальное расслабление.
Виды хореографии
Толкование слова «хореография» мы уже обсудили. Также выше уже описано, что существует несколько ее видов. Некоторые профессионалы выделяют немного другие типы. Речь идет о народных танцах, бальных, а также профессиональном искусстве, которое входит в классический балет.
Народная хореография действует на человека хорошо. Она не только позволяет ближе познакомиться с культурой определенного государства или народа, с его обрядами и традициями, она также способна позволить человеку привести себя в форму, она колоритна.
Что же такое бальная хореография? Ее также иногда называют классической. Она формирует танцы, которые создаются в связи с определенными традициями. Учитывая, что классические танцы в некотором похожи между собой, все равно любой хореограф имеет свой почерк, а соответственно, любой из поставленных танцев сильно отличается от любого другого. Базой для всех видов танца на данный момент считается классический балет. Он является мостиком между классическим балетом и народной хореографией. Он популярен довольно давно и нравится многим еще и своей красотой. На данный момент именно эта хореография считается наиболее популярной.
Также необходимо рассмотреть некоторые другие виды танцев, делая обзор о том, что такое хореография. Современными танцами считается направление в искусстве, которое включает в себя все созданные жанры на протяжении 20-21-го века. Речь идет о тех, которые были созданы на основе европейского модерна и американского постмодернизма. Здесь речь идет об инструменте, который позволяет развивать свое тело и формировать лексику. Главной в такой хореографии является исследовательская деятельность, которая должна развиваться вместе с философией движений, а также максимально покрывать знания, которые связаны с возможностями человека.
На рубеже 20-го столетия благодаря Айседоре Дункан появляется новая философия. Она связана с концепцией, которая показывает станции будущего. Девушка стремилась показать через танец характеристику личности, отразить всю индивидуальность, а также помочь познать человеку самого себя. Дункан особенно была заинтересована в том, чтобы выразить взаиморасположение частей человеческого тела. Музыка, костюм, а также сам танцор должны были слиться воедино на сцене. Именно она и стала создательницей многих на данный момент уже классических общепринятых движений, которые вошли в сокровищницу хореографии.
Танец модерн – это искусство, которое развивалось как и на территории Европы, так и в США в двадцатом столетии.
Постмодерн же был присущ хореографии на той же территории мира, однако проявлялся чуть ранее – 1960-х годах.
Стандарты государства в области хореографии
То, как пишется слово «хореография», все должны понимать, а вот то, какие стандарты по поводу нее имеются в государстве, если говорить об обучающем процессе, мало кому известно.
Не так давно существовала одна специальность в учебных заведениях. Она подразумевала обучение сразу на одном из двух стандартов. Речь идет об обычном, который был введен в 2000 году, и повышенном, который был внедрен в 2004 году. Если говорить о дипломе, то при выпуске человек имел такую специальность, как «Артист ансамбля». В последние годы были изменены направления в области культуры и искусства, поэтому произведены некоторые поправки. Специальность разделилась на две отдельных. Произошло это в 2007 году. На данный момент обучаться можно по двум специальностям: либо «Искусство балета», либо «Искусство танца». Последняя разделяется на различные жанры, речь идет о народном, бальном, эстрадном, современном и так далее.
Описание классической хореографии
Хореография подразумевает правильную подготовку мышц, развитие выносливости, улучшение растяжки, а также выполнение упражнений на координацию тела. Если ребенок занимается данным видом танцев с детства, то у него будет развиваться выносливость, сила, трудолюбие, упорство.
Нужно заметить, что в хореографии также важно, чтобы человек имел хорошую выворотность, то есть мог разворачивать бедренный сустав наружу. Благодаря этому выполняются все основные движения в хореографии. Если это от рождения ребенку не дано, то можно выработать. Для этого будет вполне достаточно регулярных тренировок. Позой считается статичная фигура, которая определяется положением человека на сцене. При этом она может быть либо закрытой, либо открытой. Если же говорить о позициях, то это положение конечностей. Именно они способны подарить человеку максимальную выразительность, а также грацию. Как правило, в школах по хореографии первым делом учат выворотности. За счет этого ученик может освоить основные позиции.
Что такое хореографическое искусство
Хореографией (от греч. слова Ghorea) изначально называли запись, а затем искусство сочинения танца. Но с течением времени значение данного понятия расширялось и в конечном итоге, в него стали включать все, что имеет отношение к искусству танца, т. е. и классический балет, и народные танцы различных стран мира, и бальные, и все виды современных танцевальных направлений. Под танцем же подразумевают особый вид искусства, заключающийся в выполнении ритмичных, красноречивых движений телом, которые образуют полноценную композицию и исполняются под музыкальное сопровождение.
Хореография, как вид искусства
За продолжительную историю человечества они претерпевали изменения, отражающие характер и направление культурного развития. Поэтому сегодня известна масса танцевальных видов, стилей и форм.
У каждого народа наблюдается собственная пластика, приемы «укладывания» движений на музыку. При этом язык танца, формировавшийся из типичных для народа жестов, положений рук, ног, головы, корпуса, складывался в соответствии с особенностями жизни этого народа. Поэтому в народных танцах нередко можно проследить как его историческое, так и социальное прошлое, а также особенности и определенные черты менталитета.
Со временем начали формироваться танцевальные па. Они произошли от таких основных видов движений, как ходьба, бег, прыжки, повороты, раскачивания. В результате их совмещения между собой и модернизации образовались традиционные танцевальные па.
Танец, как и любой другой вид искусства, имеет свои характеристики. Это в первую очередь:
В большинстве танцевальных направлений важная роль отводится жестикуляции, в частности движениям рук.
При этом средствами выразительности служат не только ритм движений и динамика, но и гармоничность движений и принятия поз, пластика, мимика, темп движений, а также костюм и реквизит. Танец подчинен законам музыкальной системы, поэтому он так же, как и музыкальное произведение, измеряется теми же длительностями.
Несмотря на все это, хореография остается весьма демократичным видом искусства. С ее помощью тело получает возможность высказаться, выразить свою индивидуальность и неповторимость. При этом она позволяет развить творческий и личностный потенциал, помогает справиться со многими комплексами, расслабиться, а также преодолеть страх перед публичным выступлением.
Изначально, точнее, с момента начала развития хореографии, как отдельного вида искусства, созданием постановок занимались танцмейстеры. Они находились при королевских дворах и являлись предшественниками нынешних хореографов. Именно им принадлежит заслуга создания единых стандартов, которые позже стали именовать танцевальным этикетом и используются до сих пор.
Танец в первобытном обществе
Все танцы первобытного общества являются источником всей современной хореографии. В целом их можно разделить на 3 группы, отличающиеся композицией:
В первобытном обществе танцы уже имели звуковое сопровождение. Чаще всего для задания ритма использовались ударные инструменты, а музыкой служило пение шамана или другого высокопоставленного человека.
Несколько позднее танцы стали трансформироваться и все больше пропитываться национальными особенностями. Особый след в истории развития хореографии оставило наследие таких великих цивилизаций, как Египет, Индия, Китай и страны Юго-Восточной Азии.
Так, например, в Древнем Египте танец больше носил культовое и бытовое значение, а в Индии был пропитан религиозной символикой. В Древнем Китае же танцу отводилась роль обрамления жертвоприношений, при этом в композицию обычно закладывалось составление разных иероглифов. От Древней Греции до нас дошли изображения большого количества поз и движений, по которым современные хореографы смогли реконструировать танцы этой страны.
Кстати, ранняя канонизация танцевального искусства в Индии привела в конечном итоге к созданию индийской классической школы танцев.
При этом в Древней Греции существовала специальная наука Орхестика, включающая религиозные и бытовые сцены композиции. Ей обучались юноши. В ней же возникли первые танцевальные постановки, которые были частью драматического представления. А Платон определил 2 закона композиции танца: соединения движений и гармонии ритма. У него также были достаточно жесткие требования к создателю сценических произведений, включая особенности ритма, музыки и геометрии. Ведь танец имел не только эстетическую роль, но и воспитательную. Поэтому его преподавали во всех учебных заведениях того времени, а непосредственно танцы называли хороводами, хотя это и не предполагало обязательного кругового построения.
Даже в строгой Спарте было место для танцев. Там они носили воинственный характер и приравнивались к общефизической подготовке подрастающих воинов.
Хореографическое искусство Средневековья
Танцевальное искусство неуклонно развивалось, в том числе и в тяжелые средневековые времена, когда существовала инквизиция, запреты на народные и светские зрелища. Но история сохранила для нас образцы первых бытовых танцев, ставшие базой для дальнейшего развития западноевропейских танцев. Это, в первую очередь, бассданс и бранли. Первый танец был достоянием знати и носил медленный, величавый характер. Второй же танцевали крестьяне разных провинций Франции. Существовала масса разновидностей этих танцев, общее количество которых превосходило 300.
Бранли танцевали на всевозможных народных гуляниях. Это искусство передавалось из поколения в поколение и в итоге из него родились такие известные и сегодня бытовые танцы, как менуэт, пасспье, бурре, гавот, ригодон.
В эпоху Средневековья разграничение между жителями сел и городов стали резко заметными. Это не могло не сказаться и на танцах. Подобные процессы происходили в различных европейских странах. Поэтому к XV веку придворные балы стали больше напоминать небольшие спектакли. В них все было подчинено строгому регламенту вплоть до порядка выхода придворных и последовательности танцев. Балом заправляли балетмейстеры.
Некоторые танцы объединялись в один и стали называться балетом. В течение XV—XVI веков популярными стали танцевальные спектакли с простенькими и абсолютно несвязанными между собой сюжетами, в частности интермедии, дивертисменты.
XVI век ознаменовался настоящим прорывом в развитии техники танца, в основном благодаря жонглерам-сказителям эпоса. Они стали носителями профессионального танца, танцевали самостоятельно и преподавали знатной молодежи, руководили хороводами в замках, селах, были организаторами шествий при дворцах и всевозможных религиозных торжествах.
Жонглеры танцевали виртуозно, их танцы были технически совершенными и включали множество акробатических трюков. У них уже присутствовали такие характерные для современного балета элементы, как выворотность ног, натянутость носка, группировка пальцев рук, вогнутость поясницы. Движения жонглеров были резкими и порывистыми.
В то же время в ранних средневековых танцах сохранялась композиция, состоящая из кругов. Поэтому в хороводах танцоры держались за руки или же мужчины держали руки на бедрах, а женщины поддерживали юбки. Основными движениями были скачки и шаги, а весь танец исполнялся под пение. Различали мужские, женские танцы и смешанные, а исполняли в основном кароль, ригодон, бранль и фарандолу.
Во времена позднего Средневековья более популярными становятся парные танцы. При этом наблюдается большее разнообразие композиционного рисунка, поэтому, кроме кругов, появляются линии и шеренги, а композиция в целом приобретает более острый характер. В этот период начинают появляться высокие прыжки, покачивания корпуса, а танцы теперь кроме пения стали исполняться под игру оркестра. В некоторых случаях даже присутствовали элементы игры и пантомимы. Но все средневековые танцы сопровождались многочисленными поклонами в начале и под конец танца.
Шарль Луи Дидло и «Первая русская школа»
Танцевальное искусство изучалось множеством деятелей разных времен. Так, в 1688 г. аббат Мишель де Пюр произвел анализ структуры балета и выделил в самостоятельную единицу танцевальную фигуру, что он отразил в своем труде «Мнения о старинных и новых зрелищах». Позднее попытки изучения структуры и формы народных танцев предпринимали и другие исследователи, в частности Джон Плейфорд, Рауль Фойе. Все их работы исполнили существенную роль в создании обобщенных и систематизированных знаний о танцевальном искусстве, которые были собраны и отражены в книге Ж. Ж. Новерра «Письма о танце». Именно она в дальнейшем стала настольной для множества хореографов, а высказанные в ней идеи нашли свое продолжение в работе Ш. Л. Дидло и других ведущих хореографов.
Именно Ш. Л. Дидло, родившийся в семье французских танцовщиков, являющихся частью шведского Королевского оперного театра, стал тем человеком, который подарил русскому балету мировую известность в начале XIX века. Этот балетмейстер-француз создал базу для формирования своеобразного стиля русского балета. Он стал главой Петербургской балетной труппы Российских императорских театров в 1801 г., а его дебютным спектаклем стал «Аполлон и Дафна», который он готовил на протяжении полугода.
Дидло снискал репутацию гениального хореографа. Он широко использовал выразительность и эмоциональную насыщенность женского танца, а воспитанные им танцовщицы превозносились на уровне крупнейших западных прославленных танцоров-мужчин. Хореограф требовал от танцоров артистизма и строгой логики действий. Он резко критиковал виртуозность ради нее самой, ведь был уверен, что зритель может понять суть балета и оценить всю глубину страсти за счет передачи эмоций лицом артистов. Поэтому он всегда стремился создавать такие постановки, в которых танцы передавали чувства и характеры действующих лиц, а выразительные движения и яркая мимика замещали словесное выражение мыслей, что в комплексе дарило цельность эстетического впечатления. Это и легло в основу создания русской школы балета.
Дидло заменил ранее принятые парики, шиньоны, кафтаны, тяжелые башмаки легкими и удобными трико и газовыми туниками. Это позволило танцорам совершенствовать собственное мастерство, что было крайне важно для Дидло. Отличительными чертами его постановок стали:
Поскольку танца на пальцах еще не было, Дидло много внимания уделял воспитанию апломба, т. е. длительной выдержки неподвижной позы на полупальцах на одной ноге. В то же время на постановки Дидло сильное влияние оказала русская народная пляска. Поэтому за 30 лет работы этого балетмейстера в России создался именно тот вид танца, который был назван первой русской школой классического танца. Ее постановки отличались легкостью, законченностью мысли. Они были полны эмоций и благородства, а также наполнены пластикой русской женщины.
Обучение в школе продолжалось 8—9 лет. Преподаватели подолгу тренировали воспитанников на менуэте, поскольку он позволяет выработать королевскую осанку, красивый поклон, грацию при протягивании руки и пр. Также в тот период танцевали и экосез, французскую кадриль, фанданго, вальс, гросфатер, котильон, мазурку, аллеманду, венгерку и др.
При Дидло были созданы новые виды вращательных движений, появились первые элементы парного танца, которые в будущем трансформируются в адажио. В то же время женский танец не просто обогащался за счет мужского, но и сумел вытеснить его на 2-й план. Это стало возможным за счет новой стилистики, построенной по мотивам античной живописи и ваяния. А в 1808 г. Дидло ввел в балет положение на пальцах. Именно это имело колоссальное значение для развития женского русского балета и дало возможность женщине получить лидирующее положение в балете.
Таким образом, Дидло произвел настоящий переворот в мире хореографии. Именно благодаря ему из репертуара русского балета удалось вытеснить иностранные труппы, столь часто приглашаемые ранее дирекциями театров. При этом балетмейстер не любил ставить чужие балеты и всегда отдавал предпочтение собственным постановкам. Он ежегодно придумывал 2 или даже 3 балета. В них всегда наблюдалась абсолютная гармония между пантомимой, пластикой движений, мимикой, что весьма ценилось зрителями. И уже к концу 1830-х гг. русский балет вошел в эпоху романтизма.
Эпоха романтизма в русском балете
С разгромом декабристов во всем наблюдался застой. Всякое свободомыслие было наказуемо и тщательно подавлялось правительством Николая I. Но уже в то время за высокий уровень профессионализма русский балет считался одним из лучших в Европе. Но из-за происходящих в стране изменений его развитие и приближение к романтизму застопорилось.
В это время просветительскому идеалу, базирующемуся на подражании природе, противопоставлялось 2-плановое отражение действительности, пропагандирующее романтиками. Таким образом, в искусстве наблюдалось противоборство отражения реального быта и идеального мира, придуманного и взлелеянного художником, который был значительно лучше действительности.
В эпоху романтизма стали значительно больше внимания уделять духовной жизни человека, что потребовало создания новых выразительных средств. Продуктом изысканий стало обогащение пантомимы изобразительностью живописного порядка, а танец стал единым целым с музыкальным сопровождением, визуально отражая ее выразительность.
Расцвет балетной музыки наблюдался в 1830-х годах. В это время жил и творил Михаил Иванович Глинка, навечно вошедший в историю оперы. Его балетные сцены стали значимым средством действительной, повествовательной и описательной характеристики, они были ярко окрашены симфонической образностью, подтверждением чего стали такие известные и нашим современникам оперы, как «Руслан и Людмила», «Иван Сусанин».
Далеко не все сразу понимали, что музыка балетных сцен в операх М. И. Глинки стала дверью для симфонизации танца и создания танцевально-сценической системы образов, отражающих музыкальную драматургию.
В эпоху романтизма большая часть постановок исполнялась гастролирующими иностранными знаменитостями. А русские танцовщицы имели возможность проявлять себя только в перерывах между ними. При этом в опере стали прибегать к такому приему, как перестановка декораций, а в сказочных действах стали использовать театральные механизмы. Кроме того, стали изменяться и балетные костюмы, причем это происходило в соответствии с меняющейся модой.
Костюм особенно сильно видоизменился на рубеже XVII—XIX веков. В это время отходят в прошлое скрывающие женскую фигуру кринолины, на смену которым пришли платья. В мужской же моде того времени наблюдается отказ от громоздких париков в пользу легких, хотя и затейливых причесок, а также головных уборов. Стало модным носить фраки и обтягивающие панталоны. Что же касается обуви, то башмаки с громоздкими пряжками и каблуками сменили туфли на гладкой и гибкой подошве.
Хореография как вид искусства
Сущность и понятие хореографии
Танец существовал и существует в культурных традициях всех человеческих существ и обществ. За долгую историю человечества он изменялся, отражая культурное развитие. В настоящее время хореографическое искусство охватывает и традиционное народное, и профессионально-сценическое. Танцевальное искусство присутствует в той или иной степени, форме в культуре каждого этноса, этнической группы.
И это явление не может быть случайностью, оно носит объективный характер, ибо традиционная народная хореография занимает первостепенное место в социальной жизни общества как на ранних этапах развития человечества, так и сейчас, когда она выполняет одну из функций культуры, является одним из своеобразных институтов социализации людей и, в первую очередь, детей, подростков и молодежи, а также выполняет и ряд других функций, присущих культуре в целом. В нашей стране очень любят хореографическое искусство. Из года в год растет число самодеятельных танцевальных коллективов, повышается уровень их мастерства.
Хореография родилась на заре человечества: еще в первобытном обществе существовали танцы, изображавшие трудовые процессы, воспроизводившие движения животных, танцы магического характера, воинственные. В них человек обращался к силам природы. Не умея их объяснить, он молился, заклинал, приносил им жертвы, прося удачной охоты, дождя, солнца, рождения ребенка или смерти врага. Все это, впрочем, можно увидеть и в наше время, в искусстве народов Африки, например.
Самой сложной формой профессиональной хореографии считается классический балет. Балетный танец основан на народном танце, который в свое время проник в салоны высшей знати. Развитие танцевальной техники в салонах пошло по иному направлению, чем это происходило в народе: ведь народ танцевал на лужайке или на земляном полу хижин, а знатные дамы и кавалеры скользили по гладкому полу, изящно вытягивая носки, плавно и важно приседая по правилам, специально выработанным придворными танцмейстерами.
Классификация хореографии: стили, формы, содержание. Хореография имеет три раздела:
б) бытовой (или как его еще называют бальный) танец
в) профессиональное искусство танца, в том числе и классический балет.
Бытовой танец: история развития от эпохи Средневековья до Х1Х в.
Их танцевальное творчество, неразрывно связанное с трудом, бытом, думами и чаянием народа, стало той первоосновой, которая дала толчок к развитию профессиональной хореографии. Конечно, бальный танец ХIII века существенно отличается от бального танца настоящего, но уже зарождаются основные шаги и па западноевропейской программы.
Без сценических танцев в ХIII веке уже не обходился ни один бал, маскарад и карнавал, где основную роль играли бальные танцы. «Сценой» в этом случае служила дворцовая зала, украшенная гербами и мечами. Через танец люди в ХIII веке старались выразить такие сложные чувства, как любовь или симпатия.
В начале появления бального танца отношение народа к нему было вполне позитивно, но вот католическая церковь жестоко осуждала танцы и считала, что танцы являются, как и все прочие развлечения развратными и губящими душу человека. Вопреки запретам на празднествах появляются красочные танцевальные шествия.
К танцам эпохи средневековья относятся: бранль (исполнялся на народных праздниках крестьянами), ригодон (танец знати), буррэ (народный танец, прародитель многих бальных танцев), эстампиды (танец знати, полностью исключающий прыжки) и др..
Танцевальные термины и фигуры во Франции мало чем отличались от итальянских. Среди знаменитых французских теоретиков особое место принадлежит Туано Арбо, выпустившему в 1588 году объемный труд «Орхезография». В нем автор подробно и точно описывает не только танцы второй половины XVI века, но и более ранние хореографические формы, уделяя большое внимание бранлю как одному из видов древнего и излюбленного развлечения. Этот любимейший народом танец, значительно стилизованный в аристократических салонах, стал одной из первых форм бальных танцев и сыграл большую роль в развитии бальной хореографии.
До XVI в. бальные танцы века не отличались богатым разнообразием движений и исполнялись в сопровождении небольшого оркестра: 4 корнета, тромбон, 2-3 виолы.
В XVII веке французская хореография обогащается новыми движениями, более сложными, более изящными, чем итальянские. Усложняется техника женского танца. Этому немало способствует изменение фасона придворной одежды. Укороченные платья позволяют делать легкие и отчетливые движения ногами. Более оживленным и активным становится общение партнеров. Кавалер ведет даму, часто пропуская ее несколько вперед, обводит ее за руку. Танцующие смотрят друг на друга на протяжении всего танца. Итальянские танцы французы исполняют по-своему, придавая им большое изящество и изысканность.
Французские хореографы и теоретики немало способствовали развитию танцевального искусства, созданию новых танцевальных форм, строгой канонизации танца. Созданные ими исследования и теоретические обобщения легли в основу почти всех руководств по танцу, вышедших в более поздние эпохи.
В 1661 году Людовик ХIV издает указ об организации Парижской Академии танца. Он считает, что Академия призвана способствовать воспитанию хорошей манеры у привилегированных классов, хорошей выправке у военных. Возглавили это учреждение тринадцать лучших учителей, назначенных Людовиком. В задачу Академии входило установить строгие формы отдельных танцев, выработать и узаконить общую для всех методику преподавания, совершенствовать существующие танцы и изобретать новые.
Академия проверяла знания учителей танцев, выдавала дипломы, устраивала вечера и всячески способствовала популяризации хореографического искусства. Новые танцы, новые движения деятели Академии часто заимствовали у народной хореографии, которая продолжала развиваться своими путями. Академия сыграла огромную роль в развитии танцевальной культуры Франции.
Эпоха Возрождения знаменательна появление огромного количества бальных танцев: вольта (народный танец итальянского происхождения, основан на вращении), салтарелла (народный танец итальянского происхождения, основан на высоких прыжках), гальярда (бальный танец из пяти фигур), куранта (бальный танец, носил плавный, текущий характер ), менуэт – король танцев.
Бальный танец в XVIII веке изменился и все более превращался из бытового в сценический, благодаря великим реформаторам, таким, как француз Жан Жорж Новер. Именно он начинает реформацию очень интересным способом. Он стал черпать новые идеи из народных танцев. В знаменитых «Письмах о танце» он подчеркивает мысль о том, что балетмейстер может перенять у народа «множество движений и поз, порожденных чистым и искренним весельем».
В XVIII веке язык сценического танца становится технически более сложным и совершенным, чем незатейливые «бранли» ХШ века. Уже нет тех хороводных и линейных шествий, танцы изменились до парных (или «дуэтных»).
Танцы XIII в.: полонез (танец-шествие), контрданс (английский народный танец, прародитель кадрили), менуэт (в котором ускоряется темп, появляются более сложные движения, позы и рисунки)
Безусловно, огромное влияние на бальные танцы оказала музыка. Вместе с музыкой менялась мода на некоторые танцы.
После написанных популярных вальсовых мелодий вальс стал в XIX веке популярнее, чем другие танцы. Ничто так не совершенствовало и не пропагандировало вальс, как музыка. Десятки знаменитых композиторов разных стран увлеклись вальсом, вводя эту форму в свои сочинения. Всемирно известны мелодии Моцарта, «Приглашение к танцу» Вебера, задушевные вальсы Шуберта, изящные, грациозные вальсы Шопена, широкие по своему симфоническому развитию вальсы Глинки, Чайковского, Глазунова.
Судьба бального вальса связана с именами Ланнера и Штрауса. Последний обессмертил вальс, сделав его королем танцев, и сам стал королем вальсов. К его венскому оркестру были в свое время прикованы взоры музыкантов, артистов, поэтов, художников, писателей всего мира. Благодаря Штраусу Вена вошла в историю как город, где расцветал вальс, как город где Иоганн Штраус создал свои бессмертные творения. Музыка Штрауса облагораживала и совершенствовала хореографию вальса. Она способствовала тому, что танец этот стал исполняться более грациозно, более красиво и трепетно.
Танцы XIX в.: мазурка (родина Польша, область Мазовше), полька (чешский народный танец).
Балет как высшая форма хореографического искусства: этапы формирования и развития.
Балет (фр. ballet, от лат. ballo — танцую) — вид сценического искусства, основными выразительными средствами которого являются неразрывно связанные между собой музыка и танец.
Чаще всего в основе балета лежит какой-то сюжет, драматургический замысел, либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец. Немаловажную роль здесь играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются также элементы гимнастики и акробатики.